一晃几年过去了，其间我还参观过他的工作室，参观过他的家，他家的壁面上也装饰着他的陶瓷作品。他不仅热衷于架上的，也热衷于环境艺术，他总有很多想法，总想用各种方式表达，包括他不断地对你说，说他对艺术的理解，说他对世事的理解，说他对事物的感受，说他陶瓷的热爱。他总不满足，总是在思考，总是在寻找。朱乐耕是一位很有活力的艺术家，他的热情是从内心深处焕发出来的，这是他创造力很重要的来源。朱乐耕是一位全面出击的艺术家，各方面都涉猎，各方面也都有建树。
今天看他的陶艺展，让我感觉又有新的东西出来了，又有新的想法。如果说有什么词可以概括朱乐耕的艺术，我以为就是四个字：塑、绘、形、器。
何以为“塑”？就是运用“塑”这一手法完成架上的艺术造型，如他的“陶马”或“瓷牛”。何以为“绘”？就是在平面的或立体的器物表面运用“绘”这一手法完成物件的装饰图形，如红绿彩系列陶绘。何以为“形”？就是用陶瓷拟物造型，如陶制的“卵石”或“宣纸”。何以为“器”？就是立足抽象的器皿造型，表达一种审美感受或独到的形式意念，如罐——“云霞之间”。其实，朱乐耕一方面寻找“各个击破”，即在塑、绘、形、器四者挑战各自的极限，寻求极致；另一方面又寻找综合性的表达，将塑、绘、形、器四者融会贯通，有塑有绘，重形重器，你中有我，我中有你，相得益彰。记得在第一次中日韩陶艺展时，我的印象是中国的陶艺家重“艺”而不重“器”，喜欢玩造型，标榜自己是“艺术家”而不是“工匠”；日本的陶艺家则只玩弄抽象的器皿造型。这次看朱乐耕的陶瓷展，情况就不一样了，他将两者结合了，而且与自己的传统联系更为紧密，如彩陶时代，塑绘结合，形器也是结合的。这种艺术追求本身就带着一种挑战性，对自我的挑战，对极限的挑战，因为综合也是有极限的。任何一种事物，被推向极限时就会出现另一种新的景象，或者说是“景观”，在观看中某种品质会被置换或替代。比如展厅中朱乐耕有一系列水墨山水，那是用陶板烧制的，如纸一般的卷起，如墨一般的晕化，如诗一般的让人遐想。他很懂得利用人们的错觉，视觉上的也包括心理上的，造成各种意想不到的效果。这是一种游戏，其实也在提问，问你这是什么？是，或不是；不是，或是。
有一组照片，那是朱乐耕为韩国麦粒音乐厅所作的装置，使用的材质是陶瓷，各种大小不等的圆口子，高低错落地组合在一起，题为“时间与空间的畅想”，让人们在形之外听到了“音”，而实际上在接受了“音”之后又提纯了“色”。这说明什么？说明朱乐耕能够在具体的“形”外找到无形的“音”，由“音”而品“色”。声音是缥缈不定的，无形的。但在无形中，你能感觉有一种声音漂浮出来。
另有两件作品，还让我感受到那漂浮的声音。一是《颂》，一是《禅意》。那一件《颂》是一批素色的俑，不明身份，一律昂首朝天张着口，声音便从那里出来。一种被嗓门逼着又含在口中的声音，缓缓地悠扬地飘出。展厅天棚上的射灯，就打在那些黑洞洞的口上。那一件《禅意》，也是一批素色的俑，却是持莲的僧人，颔首伫立，他们身上被艺术家打开的不是嘴而是颅，即在头顶上开了一个“口”，似乎有一股声音随着气息飘忽出来，那是些有控制的也有内涵的声音，如歌如诵，在周围的空间振荡。
朱乐耕的这种处理十分巧妙，他将人物塑形与器物造型结合起来，这些素色俑犹如一件件瓶器，有身有腹有颈有口，而口与腹的关系能产生共鸣。《颂》之俑是“开口”，而《禅意》之俑则“开颅”，“开口”的声音是直观的，“开颅”的声音便借助想象了，其音质也有了变化。最有意思的是，朱乐耕在素色俑上出人意料地用色，如在“开口”俑的唇上抹色，在“开颅”俑的颅内涂金。前者艳艳的，后者幽幽的，在顶棚射灯下夺人眼目。就“器”而言，“口”是通灵的，而“开口”，无声亦有声。
这时候，我觉得朱乐耕将陶艺推进了一个新境界，不仅“塑绘”结合，而且“形器”结合，在“形器”之外又让人感受到背后“意”的推动。这是“人意”还是“物意”？尚无法分辨。但我以为，还是以“物意”为上，由“人意”返归“物意”，由主观返归客观，那才是一种境界，才能得以澄怀，得以澄清，才可以入道并观道。
这次展览的主题很好，即“澄怀观道、抱朴为器”。朴，是一种拙，去人意，方可为器，而人意又尽得其中。
朱乐耕 禅意
朱乐耕 颂
朱乐耕 颂